Хотите научиться создавать произведения искусства? Тогда подключайте воображение, имеющиеся знания, запасайтесь материалами и инструментами. Еще большую роль играет насмотренность, проще говоря - визуальный опыт. Согласитесь, подсмотреть что-то у признанных мастеров бывает очень полезным.
Выход за рамки
Сейчас у северян есть прекрасная возможность получить частицу этой самой насмотренности, познакомившись с творчеством современных художников. Их имена хорошо известны любителям изобразительного и декоративно-прикладного искусства: Анна Векслер, Иван Дьяков и Игорь Клюшкин.
Все трое живут в Петербурге, но неоднократно бывали и, надеемся, еще не раз побывают в Мурманске - и в качестве экспертов, и как авторы экспозиций. На сей раз их объединил выставочный проект «Художник, мыслящий в материале», который представляет экспонаты из собрания областного художественного музея.
- Анна Векслер - художник декоративного искусства, мастер ручного ткачества. В зале представлены ее гобелены, в том числе триптих «Клондайк», дипломная работа. Иван Дьяков - художник-эмальер, преподает в Петербургском государственном университете на факультете искусств. Игорь Клюшкин - живописец, доцент кафедры культурологии и искусства Ленинградского государственного университета имени Пушкина, - уточнила хранитель музейных предметов Татьяна Глаголева. - Каждая их работа выполнена с использованием уникальных техник и приемов, что позволяет зрителям ощутить всю глубину замысла автора и насладиться многообразием художественных решений.
Что же это за техники такие уникальные и современные?
- Художники живут в наше время и используют актуальные тенденции, - ответила хранитель. - Например, добавляют к графической работе различные элементы: нитки, сетку, обрывки газет, фрагменты обоев, ткани. Вот, посмотрите на диптих «Птицы и фрукты» Анны Векслер, все четко видно.
Другой пример - «Вечерний натюрморт» и «Натюрморт вечерний-2» Игоря Клюшкина. Художник смело внедряет в живописный холст кусок ткани: драпирует его, тонирует, находит место на картине. Любопытно, что автор выходит за рамки не только вида искусства, но и произведения: он нанес краски и на холст, и на багет.
На другой работе Игоря Владимировича - «Музыка в мастерской» - можно увидеть гармонично вписавшуюся в композицию настоящую виниловую пластинку.
Мастера раскрывают секреты
- Выставка посвящена достаточно интересному аспекту художественного творчества - материалу, из которого создаются произведения искусства. Материал, точнее, его фактура и текстура, является одним из главных элементов воздействия на зрителей наряду с композицией, ритмом, цветом, - раскрыл замысел выставки Игорь Клюшкин в своем видеообращении к посетителям. - Почему меня всегда привлекала именно фактурная живопись, которая дает большее впечатление? В начале 1960-х, когда я был маленьким мальчиком, жил в родном городе Сочи, там открылся художественный салон. И я впервые увидел яркую, крупную, пастозную живопись с очень толстой фактурой на поверхности холста. Наверное, это и послужило толчком, чтобы я дальше занялся художественным творчеством. Когда стал учиться в училище имени Серова в Ленинграде, получил уже основные навыки создания фактурных произведений. Большой школой для меня оказался и Государственный Эрмитаж. Больше всего меня там поразили произведения Рембрандта, про которого современники говорили, что его портреты можно ухватить за нос, настолько толстая, выступающая на поверхность холста была фактура. За 500 лет она уменьшилась, но до сих пор производит впечатление на зрителя.
Как выяснилось, Игорь Клюшкин не только восторгался Рембрандтом, но и взял на заметку его приемы:
- Самая старшая по возрасту из представленных моих картин - «Старый причал» 1981 года. Использовал принцип наложения фактуры при помощи простых материалов - мела и клея ПВА. Эта техника известна многие века. И Рембрандт вначале наносил именно такими способами, только вместо ПВА у него был, скорее всего, рыбий клей. Когда фактура высохла, можно наносить лессировку, тем самым экономя краску. Подобным образом создан и мой «Саамский рок». Эта картина, к слову, в 2013 году в Сыктывкаре на выставке «Российский Север» получила диплом за лучшее живописное произведение. Если говорить о «Музыке в мастерской» и пластинке, то это довольно давняя традиция, известная еще со времен кубизма и Пабло Пикассо, Хуана Гриса, которые впервые применили технику, когда в живописное изображение вставляется настоящий предмет. Главное - написать окружающее пространство так, чтобы этот предмет не вырывался стилистически из общего строя картины.
Это знак!
Иван Дьяков в отличие от коллег никакие дополнительные предметы в свои произведения не вписывает, он создает свои работы при помощи эмали и огненной печи. Техника эта дорогостоящая. Основой произведений становятся металлические листы.
- С эмалью достаточно тяжело работать и физически, и технически - у художника нет права на ошибку, - сказала Татьяна Глаголева. - Когда эмаль ставится в печь, даже небольшая разница температуры может привести к тому, что на выходе получится не тот цвет, который замыслил автор. И это не исправить. Колористика и композиция работ Ивана Дьякова очень современны. Обратите внимание на переходы цвета, узоры, линии.
Что ж, посмотрим внимательно. К тому же это всегда интересно: не зря фраза художников и искусствоведов о том, что каждый видит в произведении что-то свое, стала крылатой. Лично я увидела на одной части эмали «Знаки II» вид на Петропавловскую крепость с Кронверкской набережной, а на другой - «Аврору», опять же с главной рекой Северной столицы. Видимо, это знак - надо ехать в Петербург. А нашим читателям - идти на выставку в главное здание художественного музея. Наверняка и вы увидите что-то свое в произведениях художников. И, возможно, почерпнете новые идеи для творчества.
Выставка работает до 24 августа.